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Nina Simone é uma daquelas cantoras/pianistas difíceis de classificar: jazz, blues, soul, rock?
Um pouco de tudo, sem dúvida.
Este disco, à venda na Amazon por meia dúzia de libras, tem 21 dos temas mais conhecidos da longa carreira de Simone (1933-2003).
Destaco os meus preferidos: “Ain’t got no, I got life”, “My baby just cares for me”, “Don’t let me be misuntersood”, “Do I move you”, “Nobody’s fault but mine” e a versão da canção dos Bee Gees, “To love somebody”.
Descobri-os há pouco tempo e cada vez gosto mais.
Beirut é um banda que serve os propósitos de um tipo chamado Zach Condon. Nascido em Santa Fé, no Novo México, em 1986, Zacharias foi profundamente influenciado pelos grupos de mariachi, daí a importância que os metais têm nas suas composições.
As canções de Condon estão carregadas de lirismo e a sua voz peculiar confere-lhes dramatismo; os diversos metais usados (trompete, saxofones, trombone, tubas), ainda adensam mais esse dramatismo.
Além dos metais, os arranjos incluem a percussão, violino, bandolim, violoncelo e quase nada de electricidade.
The Rip Tide é já o terceiro álbum, EP à parte. É difícil destacar algum tema, porque todos são bons. No entanto, chamo a atenção para “Vagabond” e “Port lof Call”, esta última, sublime!
Aconselho vivamente.
Começo por dizer que pode haver conflito de interesses, já que, desde os anos 80 do século passado que Tom Waits é o meu autor-intérprete-performer preferido.
Dito isto, saúdo largamente mais um disco do Tom Waits (dizem que é o 17º, se contarmos só o de originais). Tenho-os todos, claro.
Divido a carreira de Waits em duas fases: antes e depois do seu casamento com Kathleen Brennan.
Antes, Waits era um excelente bluesman, com muita influência do jazz. Atingiu o seu topo, na minha opinião, com a banda sonora de “One From The Heart“, filme de Coppola.
Foi durante as filmagens que Waits conheceu Brennan, que era funcionária da Zoetrope, a empresa produtora de filmes, de Coppola.
A partir da sua união com Brennan, Waits começou a explorar outras sonoridades, enrouqueceu mais a voz, e começou a juntar tangos, valsas, salsas e outras esquisitices ao seu reportório, mantendo, no entanto, os blues como norte. Mais recentemente, o rock acabou por absorvê-lo e até lhe deram um espaço no Hall of Fame.
Este “Bad As Me” tem 13 novos temas que já ouvi muitas vezes. Quero com isto dizer que, no fundo, Tom Waits está sempre a interpretar os mesmos temas, com os mesmos acordes, mas sempre com novas roupagens.
Quando começamos a ouvir o acordeão de “New Year’s Eve”, ou a percussão e a guitarra de “Get Lost”, dizemos “já ouvi isto em Mule Variations, ou em Raindogs, ou em Swordfishtrombones, ou em Real Gone, etc, etc.” – mas isso é bom! É bom ouvirmos um novo disco do Tom Waits e não ficarmos defraudados.
Tom Waits rodeia-se dos cúmplices do costume: Marc Ribot, na guitarra, Casey Waits, filho de Tom Waits, na percussão, Clint Maedgen, nos saxes, Ben Jaffe, no trombone e clarinete, entre outros.
Mas há dois novos cúmplices, o Flea, dos Red Hot Chili Peppers e Keith Richards. Olha que dois!
Richards e Jagger são citados por Waits no tema “Satisfied”. Richards toca o seu habitual riff de guitarra e Waits vai berrando que está Satisfied, numa alusão ao célebre “Satisfaction”, dos Rolling Stones. Keith Richards toca guitarra em mais algumas faixas e faz coro com a voz de Waits em “Last Leaf”, outra balada típica de Waits, embora também faça lembrar algumas das (poucas) canções que Richards compôs para os Stones.
“Kiss Me” é uma balada muito jazzy, em que Waits faz o seu habitual número de crooner; “Chicago” é uma espécie de melopeia, com o ritmo de um comboio; “Bad As Me” é mais uma daquelas furiosas interpretações de Waits – e todas as faixas são altamente recomendáveis.
Vai ficar no meu toca-discos durante as próximas semanas.
O último disco de Chico Buarque, “Carioca” (2006), desiludiu-me um pouco. Achei-o morno, sem grande chama e sem uma grande canção que deixasse marca.
Pelo contrário, este “Chico” é um grande disco.
Começa da melhor maneira, com “Querido diário” (hoje pensei em ter uma religião/ de alguma ovelha, talvez, fazer sacrifício/ por uma estátua ter adoração/ amar uma mulher sem orifício) – e termina com a melhor canção do disco, “Sinhá”. São duas cantigas à Chico.
As restantes oito canções são todas muito audíveis, com destaque para “Essa pequena”, um surpreendente “blues” e “Sou eu”, com os jogos de palavras habituais em Chico.
Grande disco, este “Chico”. Já o ouvi várias vezes.
Quem sabe nunca esquece – este disco do Paul Simon está ao nível dos melhores.
Mas o que foi, não volta a ser – apesar do disco ser bom, não tem nenhum rasgo que o torne incontornável.
Em 1986, Simon deu um impulso na sua carreira com “Graceland”, confirmando o seu novo estilo, digamos, “afro”, com “Rythm of the Saints”, em 1990.
Nestes dois discos, Paulo Simon fez-se acompanhar por grupos vocais sul-africanos ou conjuntos brasileiros de percussão. Graças a isso, conseguiu um novo som, tipo folk global e marcou, mais uma vez, a cena pop-rock.
Nessa altura, Simon estava com 50 anos. Era um puto…
Em 1997 publicou “Songs from the Capeman”, em 2000, “You’re the One” e, em 2006, “Surprise”.
Ninguém deu por isso.
Agora, com 71 anos!… (momento para todos assimilarmos este facto: Paul Simon já tem 71 anos!)… agora, com 71 anos, Paul Simon lança este “So Beautiful or So What” que, embora não tenha nada de especial, é um disco bem esgalhado.
Começa com um tema contagioso (“Getting Ready for Christmas Day”); ao primeiro acorde, já estamos a bater o pé. Logo a seguir, “The Afterlife” também tem um bom balanço, que se prolonga nas restantes faixas. E sempre com o sabor folk-world-music. A isto não podem ser alheios os músicos que colaboram neste disco e que têm nomes comoVincent Nguini, V.B. Madhusadanan, V. Suresh-Ghatam, Yacouba Sissoko, entre outros.
Vale a pena ouvir.
Os Beatles continuam a ser um grande negócio.
Segundo os jornais,uma semana depois de, finalmente, terem sido disponibilizados para venda no iTunes, os álbuns dos Beatles já tinham vendido mais de 450 mil exemplares e tinham sido vendidas mais de dois milhões de canções!
O álbum mais vendido tinha sido o “Abbey Road” (aprovo, mas aconselharia o álbum branco…) e, nos Estados Unidos, “The Beatles Box Set”, que junta todos os álbuns dos Beatles, e que custa 200 dólares, estava em 10º lugar no top de vendas!
Sou fã desde os 11 anos. Por volta de 1964, o meu tio Xico, jornalista do Mundo Desportivo e que acompanhava o Benfica nos jogos da taça dos Campeões Europeus, trouxe-me o meu primeiro EP dos Beatles. Era um 45 rotações com quatro canções tiradas do álbum “A Hard Day’s Night”. Incompreensivelmente, perdi o rasto a esse clássico, como a muitos outras preciosidades, que se diluíram na bruma da história…
E nunca me senti desiludido com os Beatles. Mesmo quando se separaram, aplaudi. Estávamos em 1970 e começavam a apetecer outras coisas. Acabaram antes de nos fartarmos deles.
Sendo um fã assim tão fiel, sou suspeito quando digo que gosto deste disco “Jazz and Beatles”. Os puristas do jazz hão-de chamar-me nomes, porque isto é um jazz de pacotilha, de lóbbi de hotel, de elevador de centro comercial, de sala de aeroporto. Os puristas dos Beatles, aqueles que acham que o Beatle mais importante não era o piroso do McCartney, nem o falso revolucionário do Lennon, mas sim o místico Harrison, hão-de dizer que as versões destas 12 canções dos Beatles desvirtuam os originais e não têm graça nenhuma.
Que se lixem!
São 12 canções dos Beatles, que gosto sempre de recordar, e com uma roupagem “cool”, que lhes fica bem, nomeadamente “Honey Pie” ou “Oh! Darling”, por exemplo.
Os quatro discos do Grupo de Acção Cultural, de 1976 e 1977, foram agora editados em cd, remasterizados. Comprei os quatro.
Porquê?
Porque posso; porque gosto de ajudar espécies em vias de extinção; porque gosto de recordar o tempo em que tinha 23 anos; porque gosto de me espantar com as coisas que eu era capaz de dizer.
É muito difícil explicar hoje, aos meus filhos, que nós vibrávamos com algumas destas cantigas e éramos capazes de cantar, com convicção, coisas como: “e há tanta gente pra lutar/ p’la democracia popular/ que não há falsos amigos do povo/ que nos impeçam de um dia ganhar” – ou, ainda pior: “soldados e marinheiros suas armas erguerão/ ombro a ombro com o povo/ pra acabar com a exploração/ será a luta final/ em vermelho, em multidão”.
Foram anos, felizmente poucos, de delírio colectivo: fundar uma Democracia Popular num país europeu, membro da Nato! Como foi possível?
Mas que foi divertido, lá isso foi…
Quanto aos discos:
“A Cantiga é uma Arma” é o mais panfletário, cheio de hinos aos operários e camponeses. A influência de José Mário Branco é notória. Embora já se desconfiasse, ficamos agora a saber que é ele o autor das melhores cantigas deste álbum: “A Cantiga é uma Arma” (“contra quem, camaradas? Contra a burguesia!”), “A Luta do Jornal do Comércio” (“Ó Machado, vai-te embora!”), “Alerta” (“Democracia Popular e Ditadura Proletária, pois claro!”), “Ronda do Soldadinho”, entre outras.
São 17 faixas cheias de palavras de ordem e as músicas têm, muitas delas, estrutura de marcha. A faixa nº9 chama-se “Hino da Reconstrução do Partido” e alguns dos elementos do GAC estiveram envolvidos na fundação do PCP (R) e apoiavam abertamente a UDP. Aliás, durante algum tempo, a cantiga “Alerta” foi o hino da UDP.
Esta colagem de elementos do GAC aos partidos à esquerda do PCP, fez com que outros elementos, como Fausto, se afastassem do grupo.
Embora editado em 1976, o primeiro álbum do GAC resultava da junção dos vários singles saídos em 1975. “Pois canté!!” é outra história. Editado em 1976, o 2º álbum do GAC é um salto qualitativo enorme, em relação ao anterior. A noção de “cantiga ao serviço do povo” é enriquecida com a cultura musical dos vários elementos do GAC (instrumentistas, maestr5os, críticos de música, compositores, cantores, etc).
“Pois Canté!!” tem algumas cantigas que continuam a ser muito audíveis, apesar das letras “revolucionárias”. É o caso do tema que dá o nome ao álbum, da autoria do José Mário Branco. A estrutura da canção é muito trabalhada por instrumentos de sopro (fagotes e flautas) e a voz do compositor impõe-se: “enquanto anda lá no céu a cotovia/ ando a trabalhar o pão de cada dia/ para encher a pança a essa burguesia/ sempre a trabalhar/ pro patrão gozar/ isto inté qu’há-de mudar um dia/ Pois canté!”
Outras grandes cantigas (todas de José Mário Branco): “Cantiga sem maneiras”, “Cantiga do trabalho” e “Coro dos trabalhadores emigrados”.
Mas quase todos os temas de “Pois Canté!!” são música popular, folk, se quiserem, de qualidade, apesar das letras datadas (“lado a lado com o teu homem/as mesmas horas do dia/O patrão aos dois explora/Inda mais a ti Maria”).
Depois do êxito de “Pois Canté!!”, o GAC começou a enfrentar os problemas do PREC (processo revolucionário em curso): divergências internas, dúvidas quanto ao rumo a seguir. “…E Vira Bom” é o 3º álbum. A estrutura do álbum difere muito do anterior, alternando um cantiga de raiz popular, adaptada pelo GAC, com um instrumental tradicional. José Mário Branco é autor, apenas, de um tema, o “Hino da Confederação”.
Não se pode dizer que tenha esmorecido o fervor revolucionário, mas nota-se que as coisas já mudaram porque as letras estão mais “suavizadas”, embora ainda se digam coisas como “dia a dia a vida é um tormento/ e ao ricaço anda a gente/ a dar a dar sustento/ vida santa/ a vida do madraço/ que o trabalho é cá pra gente/a dar a dar/ cansaço”.
Também em 1977 saiu “…Ronda da Alegria”, o 4º e último álbum do GAC. Neste álbum, não consta nenhuma colaboração de José Mário Branco nem de Tino Flores (outro elemento muito activo do GAC, em 1975 e 1976). Aliás, se não me engano, os únicos nomes que se mantêm na ficha técnica dos quatro álbuns, são os de Eduardo Paes Mamede e de Luis Pedro Faro.
“…Ronda de Alegria” é mais do mesmo. Temas de raiz popular, com letras “revolucionárias” e arranjos “populares” – muita percussão, muitos bombos e tarolas, muitas gaitas de foles, Trás-os-Montes e Alentejo, operários e camponeses, menos soldados e marinheiros do que em 1975 porque, entretanto, tinha acontecido o 25 de Novembro de 75 e parecia claro que nem todos os soldados e marinheiros eram revolucionários…
E o GAC dissolveu-se pelas mesmas razões que se dissolvem as empresas capitalistas: falta de cacau, massa, carcanhol, papel, pasta, narta!
Mas lá que foi divertido, foi e nós, quando nos reunimos em família, não resistimos a cantar, em coro: “na herdade do Vale Fanado/ terra rica em trigo e gado/ freguesia de Albernoa…”
Nunca tinha ouvido falar desta banda de Cincinatti, Ohio, sediada em Brooklyn mas, perante tantos encómios, encontrados em diversas publicações, arrisquei-me a comprar o CD (como diz o meu filho, eu sou a única pessoa que ele conhece que ainda compra discos…).
Arrisquei e petisquei, porque The National é uma banda e pêras.
Liderada por um tal Matt Berninger, com voz de barítono e responsável pela maioria das músicas e das letras, a banda tem ainda dois pares de irmãos: Scott (guitarra) e Bryan (percussão) Devendorf, e Aaron (baixo) e (guitarra) Dessner.
Activos desde 1999, The National vão no seu 5º disco e, segundo os entendidos, com “High Violet” deixaram de ser apenas uma banda apreciada por críticos, para passarem a uma banda que pode ser aplaudida por públicos mais vastos.
Duvido, porque os temas não são fáceis, o tom é depressivo q.b., o vocalista nunca levanta a voz e o ambiente tende sempre para a tristeza e a introspecção e será difícil extrair do disco um single para passar nas rádios (talvez “Conversation 16”).
Não há dúvida que The National são uma banda “indie”; tão “indie” que até os primeiros acordes de “Runaway” são iguais aos acordes base de “Vejam Bem”, do Zeca Afonso…
Mas gostei do disco. Os músicos são competentes, os arranjos são sóbrios e eficazes e o conjunto de temas é coerente. Recomendo.
Toma lá com um grande disco!
Nunca fui um grande fã de Peter Gabriel – nem quando o tipo era o líder dos Genesis, nem depois, na sua carreira a solo.
Enfim, apreciava a sua voz característica, a sua vontade em credibilizar o rock como música a merecer respeito, esforçando-se por lhe dar um “ar” de erudição, através dos Genesis, ou de cometimento político, com a carreira a solo.
De qualquer modo, Gabriel parece não estar nisto só pelo dinheiro…
Este disco é surpreendente e aplaudo com ambas as mãos.
Gabriel junta-se a uma London Scratcher Orchestra, liderada por uma tal Louisa Fuller e conduzida por um tipo chamado Ben Foster e reinventa, de modo irrepreensível, “Heroes”, de David Bowie, “The Boy in the Bubble”, de Paul Simon, “Listening Wind”, dos Talking Heads (uma das melhores), “The Power of the Heart”, de Lou Reed, “Philadelphia”, de Neil Young, “Street Spirit (Fade Out)”, dos Radiohead, “Waterloo Sunset”, dos Kinks.
E, ainda, adaptações de coisas que eu não conhecia e que não me apetece conhecer porque, assim estão muito bem: “Flume”, de Bon Iver, “Mirrorball”, de Elbow, “I Think It’s Going To Rain Today”, de Randy Newman e, as três melhores: “My Body Is Cage”, dos Arcade Fire, “The Book Of Love”, dos Magnetic Fields, e “Aprés Moi”, de Regina Spector.
Gabriel pode ter descoberto uma mina: a pop-rock tem centenas (milhares?) de músicas que podem e devem ser recriadas por quem tem a paciência, o tempo e a sabedoria para lhes conferir o classicismo que elas merecem.